ATZE Musiktheater

Das NEINhorn kommt im Herzwald zur Welt, einer zuckrigen Zauberwelt mit „supersonnigen Sonnenhügeln“ und „wild wallenden Wasserfällen“. Seine dauerglücklichen Artgenossen gehen dem NEINhorn gehörig auf den Nerv. Also verabschiedet es sich mit einem rotzigen „Tschüss dann!“ aus der lieblichen Heimat. Auf seiner Reise trifft es den WASbären, den NahUND, und die KönigsDOCHter, und findet in ihnen widerwillig neue Freunde. Das NEINhorn ist eine freche Geschichte voll Sprachwitz, die jede Botschaft von sich weist. Aber wer weiß, dem einen oder anderen könnten die motzigen Dialoge der Protagonist*innen bekannt vorkommen. Eine Mandola, der große Bruder der Mandoline, sorgt für besondere Klangfarben, während Mini E-Gitarre, Bass-Ukulele und eine rebellische Trommel subtile Revolte und mitreißenden Rhythmus auf die Bühne bringen. So ist das NEINhorn auf seiner Reise mehr denn je bereit, durch dick und dünn zu gehen, zu springen und zu klingen! Märchenhaft minimalistisch: Bei ihrer Inszenierung adaptiert Regisseurin Birga Ipsen das unerschöpfliche Phantasievermögen von spielenden Kindern und erschafft aus wenigen Elementen eine magische Welt. Dialoge gehen fließend in Lieder über, die unter der Leitung von Matthias Witting mit Marimbaphon, Glockenspielen, Ocarina und Nasenflöte angereichert wurden.

„Dies ist der erste und letzte Versuch der Tiere aller Kontinente die Erde zu retten. Wir fordern ein sofortiges Handeln!“ Mit diesen unmissverständlichen Worten eröffnet Eisbärin Paula die Konferenz der Tiere. Die Lage um den Planeten ist dramatisch. Die Tiere sind bedroht von Wasserknappheit und Kriegen, während sich die Menschen immer wieder aufs Neue versammeln, um auf ergebnislosen Konferenzen das Schicksal der Welt zu verhandeln. Sie scheinen die Vernunft für sich gepachtet zu haben und weigern sich, die Tiere und ihre Forderungen auch nur anzuhören. Mit jeder Begegnung spitzt sich der Konflikt zwischen Menschen und Tieren zu, mit jeder Begegnung verändern sich Ton und Sprache. Was machen wir mit unserem Planeten? Wer ist dieses „WIR“ und wem gehört die Erde? Regisseurin Andrea Pinkowski begegnet mit dieser Inszenierung der berühmten Kästner-Geschichte sehr musikalisch. Im Zusammenspiel von Geschichte, Bewegung und Klang werden die gegensätzlichen Welten dargestellt, genial von der musikalischen Leiterin Sinem Altan und Choreograf Dennis Schmitz in Szene gesetzt. Das animalische Wesen übersetzt sich in Kontrabass, Percussion, Gitarren, Flöten und Saxophon. Dabei bleibt die Geschichte immer im Vordergrund: Was müssen Tiere tun, damit Menschen sie verstehen? Welcher Ton und welche Tat treffen ihre Herzen? Wie klingt die Stimme der Erde? Schon bei Kästner werden die Kinder zu den Mittler*innen zwischen der intuitiven Tierwelt und der rationalen Erwachsenenwelt. Die Geschichte von der Konferenz der Tiere fordert dazu auf, gemeinsam Ideen für ein friedliches Zusammenleben und eine universelle Sprache zu finden. Mit dieser Produktion wird die berühmte Parabel zu einem musikalisch-animalischen Aufruf gegen die Trägheit des Herzens.

In einer behutsam aktualisierten Fassung des Klassikers vom Theater Rote Grütze geht es in der Inszenierung um Mädchen und Jungs, ums Liebhaben und Lusthaben, um Schamgefühle und darum, wie Kinder in den Bauch und von dort wieder heraus kommen. Psst, darüber spricht man nicht! Aber warum eigentlich nicht? Regisseurin Gökşen Güntel verspricht eine höchst lebendige, musikalische und humorvolle Inszenierung, in der auch gezeigt wird, dass man „Nein“ sagen darf, wenn einem etwas nicht gefällt oder man anderen seine Grenzen klar machen muss. Das Thema Aufklärung ist heute aktueller denn je, da immer mehr Familien immer weniger darüber sprechen. Was ist am Körper wichtig? Warum haben Mädchen eine Vulva? Warum haben Jungs hinter dem Penis kleine Säckchen? Warum küsst man sich? Ist es peinlich den Penis oder die Vulva von jemand anderem zu sehen? All diese Fragen sind für Kinder unheimlich spannend – und für viele Erwachsene nicht immer leicht zu beantworten. Gökşen Güntel zeigt uns mit ihrer Inszenierung, dass man alle möglichen Hürden mit einem Lächeln nehmen kann. Zusammen mit ihrem musikalischen Leiter Carsten Klatte spinnt sie den Faden noch weiter und macht das spröde Thema Aufklärung zu einer fröhlichen Entdeckungsreise mit universeller Bedeutung. Denn die Beschäftigung mit dem eigenen Körper zeigt für sie auf wunderbare Weise, dass wir jenseits aller religiösen, ethnischen oder politischen Hemmnisse alle gleich sind.

Die biografisch geprägte Inszenierung mit Kammerorchester und Chor bringt Leben und Werk des bedeutenden Komponisten auf die Bühne. Das Künstlerportrait zeigt Bach als einen Menschen, der seinen Lebenstraum von Kindheit an mit Konsequenz und Leidenschaft verfolgt. Die emotionale Inszenierung mit elf Schauspieler*innen in 138 Rollen eröffnet ein facettenreiches, historisches Panorama und lässt uns in eine Welt mit heute schwer vorstellbaren Lebensbedingungen eintauchen. Das 13-köpfige Kammerorchester bringt nicht nur 35 Werke Bachs zur Aufführung, sondern wird auch in das Bühnengeschehen mit einbezogen. Kurzversion und Langversion: Beide Stückversionen erzählen von der Kindheit und Jugend Bachs, von der Anstellung des 19-Jährigen als Organist in Arnstadt, der Hochzeit mit Maria Barbara sowie den Konflikten mit den absolutistischen Machtstrukturen in Weimar und Köthen. Musikalisch stehen die weltlichen Werke Bachs im Vordergrund. In der Langversion rücken zusätzlich die kirchlichen Werke, die Kunst der Fuge und Bachs Wirken als Thomaskantor in den Blickpunkt.

Die biografisch geprägte Inszenierung mit Kammerorchester und Chor bringt Leben und Werk des bedeutenden Komponisten auf die Bühne. Das Künstlerportrait zeigt Bach als einen Menschen, der seinen Lebenstraum von Kindheit an mit Konsequenz und Leidenschaft verfolgt. Die emotionale Inszenierung mit elf Schauspieler*innen in 138 Rollen eröffnet ein facettenreiches, historisches Panorama und lässt uns in eine Welt mit heute schwer vorstellbaren Lebensbedingungen eintauchen. Das 13-köpfige Kammerorchester bringt nicht nur 35 Werke Bachs zur Aufführung, sondern wird auch in das Bühnengeschehen mit einbezogen. Kurzversion und Langversion: Die Kurzversion erzählt von der Kindheit und Jugend Bachs, von der Anstellung des 19-Jährigen als Organist in Arnstadt, der Hochzeit mit Maria Barbara sowie den Konflikten mit den absolutistischen Machtstrukturen in Weimar und Köthen. Musikalisch stehen die weltlichen Werke Bachs im Vordergrund. In der Langversion rücken zusätzlich die kirchlichen Werke, die Kunst der Fuge und Bachs Wirken als Thomaskantor in den Blickpunkt.

In der Laube hinterm Haus leben Hubert und Huschl. Sie machen alles zusammen. Kochen, essen, schlafen gehen, aufwachen, Spiele spielen, Lieder singen, das Klavier bedienen sie vierhändig. Als sie eines Tages beobachten, wie die Menschenfamilie im Menschenhaus aus dem Urlaub zurückkehrt und von den Großeltern in Empfang genommen wird, beschließen sie, auch mal auseinandergehen zu wollen, um das Glück des Wiedersehens kennenzulernen. Unter der Regie von Jacob Meinecke entsteht mit viel Improvisations-Kunst und live erzeugten Hörspielsounds eine spielerische Annäherung an das große Gefühl Sehnsucht und den Wert gemeinsamer Abenteuer.

Ein aufgeblasener Muskelprotz (Räuber Jajaja), ein ungepflegter Dickbauch (Räuber Fettsack) und ein piekfeiner Finsterling (Räuber Zwinkerauge) sind Die drei Räuber. Bei ihren gefürchteten Überfällen häufen Sie Unmengen von Diebesgut an und geraten ständig in Streit über die Verteilung ihrer Schätze. Eines Nachts tritt jedoch das kleine Waisenmädchen Tiffany in ihr Leben und konfrontiert sie mit der Frage nach dem Sinn ihres Tuns. Tatsächlich zieht so langsam ein Hauch von Gesprächskultur und Körperpflege in die Räuberhöhle ein. Doch als Tiffany die Räuber herausfordert ihre Lebensphilosophie zu überdenken, reagieren sie stur und grimmig – und müssen am Ende schmerzlich erkennen, dass es gerade die wichtigen Dinge im Leben sind, die man für Geld nicht kaufen kann. Regisseur Kay Dietrich nimmt die urwüchsige Kraft des Bilderbuch-Klassikers von Tomi Ungerer auf, wirft aber auch einen sozialkritischen Blick auf das Geschehen: Wie gehen wir miteinander um? Welche Ziele verfolgen wir? Sind wir wirklich glücklich mit dem, was wir im Laufe unseres Lebens anhäufen? Die skurrilen Charaktere der drei Räuber und Wirbelwind Tiffany bieten dabei auch immer wieder Gelegenheit zum freudigen Lachen! Bildrechte: Diogenes Verlag

Vincent ist 11 Jahre alt und Experte für das Überleben in der Wildnis. Ums Überleben geht es für ihn auch täglich auf dem Schulhof, denn Vincent wird von seinen Mitschülern drangsaliert. Als die nächste Klassenfahrt bevorsteht, schnürt sich Vincent ein Survival-Kit und hofft, dass er die Woche übersteht. Schließlich gibt es auch einen Lichtblick: Die coole neue Mitschülerin Jacqueline freundet sich mit Vincent an. Auf der Klassenfahrt eskaliert jedoch die Situation und seine schlimmsten Befürchtungen werden noch übertroffen… In der Inszenierung von Regisseur Matthias Schönfeldt verbinden sich Schauspiel und Live-Musik zu einem neuartigen Bühnenerlebnis. Auf direkte Gewaltdarstellungen kann dank einer ausgefeilten Tanzchoreographie von Maria Walser verzichtet werden, indem Mobbing tänzerisch inszeniert wird. Die treibende Kraft des Stücks bildet eine Sounddesignerin: Von ihr werden nicht nur die Elektro- und Indietronic-Kompositionen der musikalischen Leiterin Sinem Altan live modifiziert – sondern sie gestaltet und beeinflusst mit situativen Stimm- und Klangeffekten auch Dialoge und (Sprech-) Gesänge der Darsteller*innen, wodurch diese Elemente zu einem mehrdimensionalen Gesamtkunstwerk verschmelzen. HINWEIS: Bei dieser Inszenierung kommen Stroboskobeffekte zum Einsatz.

Hans erhält als Lohn für sieben Jahre Arbeit einen Klumpen Gold und macht sich auf den Weg nach Hause. Unterwegs trifft er verschiedene Leute, die ihn zum Tauschen einladen: sein Gold gegen ein Pferd, das Pferd gegen eine Kuh, die Kuh gegen ein Schwein, das Schwein gegen eine Gans und die Gans gegen einen Stein. Er freut sich über jeden Tausch, da ihm alle ein gutes Geschäft bestätigen. Als ihm am Ende der schwere Stein in einen Brunnen fällt, macht sich Hans glücklich und frei von aller Last wieder auf den Weg. Das Grimmsche Märchen widerspricht zunächst unserer gängigen Logik von Wert und Unwert, von Glück und Pech. Das lässt sich unterschiedlich interpretieren: „Nur Einfältige finden das Glück“ oder „Freiheit ist mehr als Besitz“ oder „Die Welt will betrogen sein“. Regisseur Matthias Schönfeldt, der auch die Textfassung entworfen hat, sieht diese Offenheit als Stärke und gestaltet ein Kaleidoskop möglicher Betrachtungsweisen. Dazu stellt er Hans zwei ‚Ratgeber’ als innere Stimmen an die Seite. So bezieht er das Publikum in die sich zuspitzenden Auseinandersetzungen darüber mit ein, was „ein guter Tausch“, welches Handeln „klug“ sei und vor allem: was glücklich macht. Hans startet in einem Rhönrad, das für den Lauf der Welt, aber auch das Glücksrad Fortunas stehen kann. Die Tiere werden durch runde, immer kleinere Metallringe symbolisiert, mit denen sich Hans und seine Tauschpartner*innen artistisch-spielerisch beschäftigen. Schattenrisse der eingetauschten Tiere stellen die Verbindung zu dieser symbolischen, die Fantasie anregenden Bühnenwelt her, in der das Rhönrad mal zu einem Wirtshaus, einem Brunnen oder einem Gefängnis wird und die ‚Ratgeber’ in weitere Rollen wie Bauer oder Gänsehirt schlüpfen. Wie die Voraufführung für Schulklassen eindrucksvoll gezeigt hat, steigen Kinder äußerst schnell in die Geschichte ein und diskutieren auch über ihren eigenen Weg zum Glück.

In diesem Wintermusical ist Steffi mit ihrem besten Freund Tom verabredet. Sie möchte ihn mit Freikarten fürs Kino überraschen, aber Tom kommt mal wieder zu spät und ihr Kinobesuch fällt ins Wasser. Den Streit macht sich der flotte Kalschinski zunutze, der Steffi kurzerhand zum Schlittenfahren überreden möchte. Zum Glück trifft Steffi auf einen sprechenden Schneemann, der ihr mit winterlichem Charme hilft, sich wieder mit Tom zu versöhnen. Auch die Straßenkehrer unter Führung von Herrn Weber tragen mit einem verblüffenden Zaubertrick zum Happy End bei. Die musikalische Gestaltung öffnet die Sinne für Regen, Wind und Schnee. Beim anfänglichen „Regentropfenlied“ ist der Regen nicht nur zu hören, sondern auch zu spüren. Viele Lieder wie “Ist der Schnee frisch gefallen” und „Leise, ganz leise“ sind poetische Liebeserklärungen an den Winter. Der schwungvolle Song “Auf dem Schlitten” geht allen Kindern sofort ins Ohr und macht mächtig Lust aufs Rodeln. Zum abschließenden Lied “Den Winter find ich schön“ liefern sich die Schauspieler:innen auf der Bühne eine Schneeballschlacht, bei der man am liebsten mitmachen möchte. Mit seiner Geschichte über Freundschaft, Streiten und Vertragen lädt das liebevoll gestaltete Musical die Kinder zum Mitfühlen und Träumen ein, verzaubert aber mit seinem winterlichen Flair auch die Erwachsenen.

Bär und Tiger leben ein zufriedenes Leben, bis die Neugier sie auf eine Reise lockt: nach Panama, einem Ort der Träume, mit dem herrlichen Geruch von Bananen. Die Reise wird jedoch nicht nur zu einem herrlichen Abenteuer, sondern auch zu einer echten Prüfung für ihre Freundschaft. Das geht schon beim Packen los: mit der Frage, ob es gleich losgehen oder die Reise akribisch geplant werden soll. Und wenn man sich mitten in der Nacht verirrt und im Regen steht, sucht man die Schuld der Einfachkeit halber lieber beim anderen… In einer von Situationskomik geprägten Aufführung erfahren Bär und Tiger nach vielen Abenteuern und Streitigkeiten ihr gemeinsames Glück ganz neu. Ein umgebauter Citroën 2CV sorgt als Tigerente für Aufsehen, während rhythmisch-karibische Musikeinlagen sonnige Gefühle hervorrufen. Die Janosch-Adaption bietet vor dem Hintergrund einer einfachen Geschichte hoch interessante Themen wie Aufbruch und Reise, Neues wagen, Heimat und Fremde, unterschiedliche Typen und Freundschaft. Große Weisheiten für kleine Zuschauer und kleine Gedankenanreize für große Zuschauer inklusive.

Was tun, wenn die Gefühle zu viel werden? Wer durch das Chaos im Kopf navigieren will, braucht erstmal klare Sicht. Das Farbenmonster begegnet diesem sehr komplexen Thema mit viel Witz, Mut und Kreativität. In sechs liebevollen Miniaturen werden einzelne Gefühle unter die Lupe genommen: Dabei findet jede Emotion durch eine charakteristische Musik (Cello und Ukulele) den direkten Weg ins Herz. Das Stück tröstet und erheitert – das Farbenmonster ist dabei Identifikationsfigur und ermutigt kleine und große Theaterbesucher*innen zu ihren Gefühlen zu stehen, so monströs sie auch erscheinen mögen. Unter der Regie von Stefan Kreißig entsteht mit Mathieu Pelletier (Forscher) und Nikolaus Herdieckerhoff (Farbenmonster) eine einfühlsame Adaption von Anna Llenas’ Kinderbuchklassiker, die Kindern die eigene Welt der Emotionen spielerisch vor Augen führt und Ihnen hilft, ihre eigene Gefühlswelt kennenzulernen und zu verstehen. Am Ende ist eins völlig klar: Unserer komplexen Innenwelt ist am besten mit Mut und Witz beizukommen.

Vater Luitpold Löwenhaupt kauft für das bevorstehende Weihnachtsfest eine lebende Gans, aus der ein fetter Weihnachtsbraten werden soll. Bis zum Fest soll diese im Kartoffelkeller unterkommen. Die drei Kinder der Familie taufen das Gänschen auf den Namen Gustje und kümmern sich liebevoll um das Tier. Eigentlich geht es Gustje nicht schlecht im Keller. Nur der kleine Peterle ist anderer Meinung und besteht hartnäckig darauf, dass Gustje im Kinderzimmer schlafen darf. Peterle und Gans sind bereits unzertrennlich, als der Vater Gustje kurz vor Weihnachten in den Gänsehimmel schicken will. Gustje schreit, Mutter und Kinder weinen, und der Vater erfindet eine üble List. Denn er kann es kaum erwarten, den Braten endlich auf den Teller zu bekommen… Doch wer triumphiert am Ende? Natürlich die Gans – sonst wäre dies keine vergnügliche Weihnachtsgeschichte! Guylaine Hemmer und Thomas Sutter erzählen die berühmte Geschichte mal einzeln, mal chorisch, mal mit Liedern und lassen ihre Instrumente – Gitarre, Perkussion und Melodie-Instrumente – tönen.

Rob-Rob-Robin Hood! Wer war der meisterhafte Bogenschütze, Kämpfer für die Armen und Albtraum für die Reichen? Gab es den einen Robin Hood? Oder ist es vielmehr die Idee von Utopie, Hoffnung und Widerstand gegen eine korrupte herrschende Klasse, die sich in unterschiedlichen Versionen einer Figur aufspaltet? „Denn ich glaube, dass nur in den Herzen von uns Kindern die reine Freiheit und die gerechte Gerechtigkeit wohnt. Denn wir Kinder sind in diesen Dingen unbestechlich.“ „Es ist alles im Fluss“: In der Adaption des mythischen Stoffs vom ATZE Musiktheater kann jeder Robin Hood sein: Im Fokus des Bühnen-Spektakels steht der Bauernjunge Alan Miller, dessen Familie kaum etwas zum Leben bleibt und der von der königlichen Soldatengarde unter unglücklichen Umständen verhaftet wird, jedoch nach kurzer Zeit wieder fliehen kann. Hier wird die Idee von Robin Hood zur Hoffnung für die Geächteten und gleichzeitig zu einer Gefahr für den Sheriff. Das Unglück scheint plötzlich seinen Lauf zu nehmen, wäre da nicht das Prinzenkind des dementen Königs, das durch einen scheinbar simplen Brief die Geschichte zu wenden verspricht… Verpackt in reißende Singspiel-Momente (Musik: Thomas Sutter) und rhythmische Salven nimmt Robin Hood die Saga des edlen Rächers als Grundlage und gibt der verklärten Figur die nötige Tiefe und ermächtigt die Charaktere, ihr Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Ich bin Robin Hood! Nein, ich bin Robin Hood! Wer ist Robin Hood? Wir alle sind Robin Hood!

Was denkt ihr? Könnt ihr sagen, „ob eener, der int Jefängnis sitzt und dit nich nur eenmal sondern öfters, ob so eener n juter Mensch oder oppa n schlechter Mensch is“? Um den Teufelskreis aus „keene Arbeit – keene Uffenthaltsjenehmigung – keene Wohnung – keenen Pass – keene Arbeit…“ zu durchbrechen, zeigte Wilhelm Voigt auf charmante, beinahe humoristische Weise mit seiner Köpenickiade, dass sinnfreier Gehorsam keine gute Grundlage für unser Zusammenleben ist. Im Stück ist es Marie, Wilhelms Schwester, die die Geschichte erzählt. Sie berichtet von ihrem Bruder Wilhelm, der als Jugendlicher aus dem Haus gejagt wird und wegen Bettelei das erste Mal hinter Gittern landet. Und davon, wie er sich trotz aller Rückschläge darum bemüht, ein redliches Mitglied der Gesellschaft zu werden. Irgendwann sieht Voigt jedoch ein, dass man in manchen Gesellschaften nur jemand werden kann, wenn man schon jemand ist. Und so kam es, wie es kam… In dieser Inszenierung geht es um Menschen, die andere aussortieren und um einen, der sich das nicht länger gefallen lassen will. Und so schlägt die Produktion geschickt Brücken in die heutige Zeit und hält das starke Plädoyer: Kein Mensch ist illegal! Die Köpenickiade wurde weltberühmt, der Werdegang und die Beweggründe von Wilhelm Voigt nicht. Regisseur Thomas Sutter ändert das und richtet den Scheinwerfer auf den Menschen hinter der berühmten Anekdote, auf seine Vergangenheit und seine Konflikte. Die Schwere der Themen wird in der Inszenierung immer wieder geschickt durch Kipppunkte in Musik, Bühnen- und Kostümbild aufgebrochen. Orientalische Instrumente perforieren die Klänge preußischer Militärmusik, Uniformen werden zu clownesquen Beamtenroben und das minimalistische Bühnenbild verwandelt sich konstant, obwohl es alles andere als Freiheit darstellt. Eine begleitende Videoinstallation wird zum stillen Geschichtenerzähler im Hintergrund.

Eines Tages humpelt der kleine Tiger aus dem Wald, kann nicht mehr gehen und nicht mehr stehen, und fällt einfach um. Sofort ist der kleine Bär zur Stelle und fragt seinen Freund, was mit ihm los sei. Als der Tiger entgegnet, dass er sich elend krank fühle, verkündet der Bär voller Elan und Zuversicht: „Halb so schlimm, ich mach dich gesund!“ Er trägt den kleinen Tiger nach Hause, verbindet ihn von Kopf bis Fuß, kocht ihm ein Süppchen und tut alles dafür, dass es ihm ganz bald wieder besser geht. Aber leider klappt dies bei aller liebevollen Freundschaft dann doch nicht so schnell. Da muss Doktor Walterfrosch ran, ein echter Fachmann in einem großen Krankenhaus. Auch wenn dabei ein Fellstreifen verrutscht, wird der kleine Tiger jetzt endlich schnell gesund. Mit viel Gefühl, feinem Humor und zärtlichen Liedern findet eine der bekanntesten Janosch-Geschichten den Weg auf unsere Zeltbühne. Hilfsbereitschaft und Zusammenhalten, Umsorgen und Verwöhnen, sowie der erste große Arztbesuch sind die zentralen Themen. So präsentiert sich eine perfekte Geschichte für die ganze Familie, voll kleiner Sorgen und großer Emotionen.

Drei leckere Pilze findet der Bär auf dem Heimweg im Wald. Sein Freund, das Wiesel, schmort sie gleich in der schweren Pfanne. Doch dann haben die beiden ein Problem: Drei Pilze für zwei? Wie soll das gehen? Beide haben findige Argumente, warum der eine mehr als der andere bekommen müsse: „Ich hab‘ sie gefunden!” steht gegen „Ich hab sie zubereitet.“ Auf den Ausruf: „Aber nach meinem Rezept!“ folgt die Entgegnung „Ich esse Pilze lieber!“ Das „Ich bin aber größer!“ wird schlau gekontert mit „Ich muss noch wachsen“. Da schleicht ein listiger Fuchs heran und schnappt sich den letzten Pilz. Das ist nun echt ärgerlich, doch immerhin kehrt endlich Ruhe ein. Wenn das Wiesel nicht noch einen Nachtisch hätte: Drei Walderdbeeren… Wenn zwei sich streiten, freut sich meist der Dritte. So auch hier, wo es ums Teilen, ums Diskutieren und ums Übersohrhauen geht. Regisseur Yüksel Yolcu und seine Schauspieler*innen erzählen eine wunderbare, amüsante Geschichte über Gerechtigkeit und flechten mit Kontrabass, Akkordeon und Charango noch tolle Lieder ein. Die Inszenierung beruht auf dem Bilderbuch von Jörg Mühle, Zwei für mich, einer für dich. © 2018 Moritz Verlag, Frankfurt/M.

Die Bühne ist schlicht. Auf kleinen Podesten sind Stühle platziert, davor Notenständer. Der Raum ist erfüllt vom Rascheln, Tuscheln und Mauscheln der ankommenden Besucher*innen. Langsam, wie man es von klassischen Konzerten her kennt, stellt sich eine gespannte Ruhe ein. Dann nehmen eine Moderatorin und vier Musiker*innen ihre Plätze ein und sortieren ihre Blätter. Das Konzert beginnt. Es dauert jedoch nicht lange, bis der gewohnte Ablauf ins Wanken gerät. Noch bevor das Intro beendet ist und das Märchen vom tapferen Schneiderlein musikalisch Fahrt aufnehmen kann, mischen sich Geräusche in die Musik und ehe die Moderatorin sich versieht, verwandelt sich das Märchenkonzert vor ihren Augen in ein Schauspiel: Ein Unbekannter gibt sich als das echte Schneiderlein aus und von da an der Erzählung eine neue Richtung. Denn schließlich sei schon die Grundannahme falsch, dass er sieben Fliegen auf einen Streich getötet habe. – Sieben Fliegen auf einen Streich, ja. Aber getötet habe das gute Schneiderlein sie sicher nicht, sondern… verschluckt! Und so werden die Fliegen für das Schneiderlein zum ständigen Begleiter und Ratgeber. Je tiefer das Märchenkonzert sich in die berühmten Abenteuer dieses unbekannten Schneiderleins vorwagt, desto mehr befreien sich die Moderatorin und die Musiker*innen von ihren Blättern. Bassflöten erwecken Riesen zum Leben, Blockflöten und Schellenkranz verwandeln die schlichte Bühne in einen königlichen Hof und die Bassklarinette wird zum klangvollen Wildschwein. So wird aus dem bekannten Grimmschen Märchen ein virtuoser musikalischer Appell zur Wiederentdeckung des eigenen Bauchgefühls. Musik als tragendes Element in Theaterinszenierungen ist das Markenzeichen des ATZE Musiktheaters. Im Fall von Das tapfere Schneiderlein wird jedoch Schauspiel zum tragenden Element eines Konzertes. Damit geht das ATZE Musiktheater einmal mehr neue Wege, die das Publikum, durch eine ebenso unterhaltsame wie erkenntnisreiche Geschichte führen. Denn schließlich kann man, nur wenn man wirklich an sich glaubt, sein eigenes Abenteuer erleben. Dabei sollte man jedoch niemals vergessen, auf das Summen in seinem Bauch zu hören…