Kulturzentrum TOLLHAUS

Wer sich schon einmal mit tuvinischem Kehlkopf- und Obertongesang, einer traditionellen Gesangskunst aus der Republik Tuwa in Südsibirien, beschäftigt hat, versteht, warum dieser zu den faszinierendsten Vokaltechniken der Welt gehört. Wer sich noch nicht damit auseinandergesetzt hat, hat nun die Chance dazu, denn HUUN-HUUR-TU beherrschen seine vielfältigen Spielarten meisterhaft. Ihr geheimnisvoller Gesang kann mehrere Melodien gleichzeitig erklingen lassen und verbindet meditative Momente mit einer kraftvollen rhythmischen Dynamik sowie traditionelle Lieder und Instrumente mit zeitgenössischen Einflüssen. So entsteht ein einzigartiger Klang zwischen Tradition und Innovation, der für westliche Ohren gleichermaßen fremdartig wie modern wirkt. Kaigal-ool Khovalyg - Vocals (Khöömei, Sygyt, Kargyraa), Igyl Radik Tyulyush - Vocals (Barbang-Nadyr), Byzaanchi, Khomuz (jew's harp) Alexei Saryglar - Vocals (Sygyt), Tuyug (horse hooves), Tungur (shaman-drum), Igyl Sayan Bapa - Vocals (Kargyraa & Khöömei), Toschpulur, Guitar, Igyl

Die bayerischen Klangpoeten von Dreiviertelblut widmen sich in „Prost Ewigkeit“ den großen und kleinen Fragen des Menschseins: Liebe und Schmerz, Glück und Verlust, Weisheit und Dummheit. Ein Soundtrack für aufgewühlte Seelen in aufwühlenden Zeiten, der sich klanglich vielfältig zwischen zarten Balladen, mitreißenden Roadmovie-Nummern und ausufernden Festliedern bewegt. Tiefsinn und Unsinn liegen dicht beieinander auf dieser musikalischen Reise durch die Höhen und Tiefen des Lebens. Ein Plädoyer dafür, trotz allem gemeinsam anzustoßen – Prost Ewigkeit!

Man kann nicht zweimal in den gleichen Fluss steigen, sagt Heraklit: Alles Sein ist Werden. Zu diesem Schluss kommt auch Urban Priol regelmäßig, und einem Fluss im ständigen Wandel gleich ist auch sein neues Programm. Darin stürzt er sich mit gewohnt scharfem Blick und spontaner Spielfreude in den Strom des politischen Geschehens. Täglich aktuell, pointiert und schneller, als so mancher Politiker denken kann, nimmt der Kabarettist die großen und kleinen Absurditäten unserer Zeit ins Visier. Dem Motto eines anderen großen griechischen Philosophen folgend („Steig‘ in das Boot heute Nacht!“ – Costa Cordalis), ist das Publikum eingeladen zu einem Rafting-Trip durch die Fluten des täglichen Irrsinns.

Mit besonderer Band-Besetzung geht Max Mutzke 2026 wieder auf Tour. Neu dabei sind der Percussionist Samuel Wootton und Max’ Bruder Menzel Mutzke an der Trompete. Statt großer Effekte steht die Musik im Mittelpunkt: energiegeladener Bandsound trifft auf ein intimes Bühnensetting und Nähe zum Publikum. Der Sänger mit der soulig-weichen Stimme bringt neben Hits seiner über 20-jährigen Karriere auch neue Songs und individuelle Arrangements auf die Bühne und bewegt sich dabei mühelos zwischen Pop, Rock, Soul, Funk und Jazz. Den Abend eröffnet Max’ Gitarrist Justin Balk mit eigenen Songs.

Mit groovenden Songs, klugen Texten und schlagfertigem Humor begeistert Michael Krebs seit über 20 Jahren sein Publikum. Doch auch der notorisch gut gelaunte Songwriter am Klavier stellt sich inzwischen einige unbequeme Fragen: Ist Authentizität noch zeitgemäß? Wohin auswandern, wenn die Rechten schon überall sind? Und ist Zukunft überhaupt noch eine Lösung? Antworten darauf gibt es vielleicht, garantiert aber jede Menge Gründe zum Lachen, denn Schwarzmalen ist keine Option. „Ich glaube nicht mehr an die Menschheit, aber immer noch an Menschlichkeit“, sagt Michael Krebs. Und so lassen seine Konzerte die Welt da draußen nicht vergessen, sondern laden dazu ein, sie mit anderen Augen zu sehen: trotz allem optimistisch.

Frankie und Freddie Lehmann, zwei Brüder aus Bremen, in Westberlin, im Jahr 1980. Während der eine seit Wochen damit beschäftigt ist, in Kreuzberg Fuß zu fassen, will der andere weiterziehen nach New York, musste aber erst einmal am Kudamm im Probandenhotel wohnen und als Versuchskaninchen für Antidepressiva herhalten. Jetzt, einen Tag vor Heiligabend, hat er Angst vor Menschen, kann nicht mehr U-Bahn fahren und verliert eine wichtige Tasche. Sven Regener schickt die beiden in seinem neuen Roman "Frankie und Freddie" auf eine Odyssee durch eine Stadt zwischen den Welten, einen Ort von Spaß und Kälte, Trotz und Anarchie, Resignation und Überlebenswillen.

Stefanie Kerker Guten Abend! Einmal Utopie bitte, zum Mitnehmen. Ja, Utopie ohne alles. Ohne falsche Hoffnungen jedenfalls, denn sowas kommt bei Stefanie Kerker nicht in die Tüte. Dafür schaut sie viel zu genau hin. Weiß, was los ist in diesem Lande. Vor allem, was alles los sein könnte, wenn es nach ihr ginge. Und so plaudert und bläst und klimpert sie uns aus unserem mentalen Plüschsofa, auf dem wir gerne über all die großen und kleinen Malaisen des bundesrepublikanischen Alltags herziehen, ohne die Füße vom Hocker zu nehmen. Mit strahlendem Lächeln nimmt Stefanie Kerker unsere Schwächen aufs Korn, die kollektiven ebenso wie die individuellen. Digital-Gurus und Konsum-Gläubige trifft es dabei ebenso breitseits wie Umweltsiegel-Märchen und Super-Mummy-Männerträume. Und unversehens steckt man mittendrin in einem Politik-Utopia, das einem den Atem nimmt: Pflegenotstand? Bahndebakel? Neiddebatte? Unverrückbare Wirtschaftsweisheiten? Alles Schnee von gestern, wenn es nach Stefanie Kerkers Utopie geht. Ihre Analysen sind höchst aufschlussreich: Was das Ehegattensplitting mit schlechtem Sex zu tun hat, zum Beispiel. Ihre Lösungen bisweilen verwegen: Eine Fernsehshow wird zur Plattform für Superreiche, die sich darin überbieten, ihr Geld an die Allgemeinheit abzugeben. Und als Sahnehäubchen eine App, die uns alle viel freundlicher miteinander umgehen lässt. Bei diesem Take-Away nehmen wir so manches Aha mit auf den Weg, dazu viel positive Energie und alltagstaugliche Ermutigungen. Mit denen müssten wir – Utopie mal Daumen – ein gutes Stück vorwärts kommen in Richtung „schönes Leben für alle“. Annette Kruhl Allrounderin Annette Kruhl ist Kabarettistin, Autorin, Musikerin, Sängerin und Songwriter. Als solche bringt die Wahl-Berlinerin seit 25 Jahren ihr eigenes Material auf die Bühne und hat bislang neun Soloprogramme produziert. Mittlerweile ist sie ein fester Bestandteil der deutschsprachigen Kabarett- und Comedy-Szene und mit ihren Shows in ganz Deutschland sowie in Österreich und der Schweiz unterwegs. Ob zum allgemeinen Handy-Wahn oder den abstrusen Auswüchsen des aktuellen Coaching-Booms: Ihre Themen sind immer ganz nah am Puls der Zeit. Mitreißende Songs, scharfsinnige Texte, gekonnte Tanzeinlagen und ihre entwaffnende Selbstironie machen ihre Programme zu satirischem Allround-Entertainment. Marina Sigl Marina Sigl wurde 1996 im Schwarzwald geboren. Sie studierte 2014-2020 Deutsch und Chemie an der Universität Konstanz. Während ihres Studiums gründete und leitete sie eine Hochschulgruppe für kreatives Schreiben und stand im Januar 2018 das erste Mal auf einer Poetry Slam Bühne. Seither kann sie auf über 350 Auftritte bei Poetry Slams und Science Slams sowie diversen Meisterschaften zurückblicken. 2025 war sie Teil des Organisationkomitees der Baden-Württembergischen Poetry Slam Meisterschaften. 2026 wurde sie zur amtierende Baden-Württembergische Vizemeisterin im Poetry Slam gekürt. Sie ist zudem als Veranstalterin, Moderatorin und Traurednerin tätig und verfasst auch Auftragstexte für Hochzeiten, Firmenevents oder Ausstellungen. Marina Sigl wurde bereits in diversen Anthologien veröffentlicht und war in der ProSieben-Dating-Show Love is King zudem als „Hoflyrikerin“ zu sehen. Dort brachte sie den Teilnehmenden stilvollen Ausdruck näher. Marina Sigl gilt als literarisches Ausnahmetalent. In ihren Slam-Texten spiegelt sich ihre enorme sprachliche Ausdrucksfähigkeit wieder, die gekonnt mit einem doppelten Augenzwinkern auf Missstände und persönliche Verfehlungen aufmerksam macht. Mal lyrisch, mal lustig liefert sie stets eine originelle Perspektive auf die kleinen und großen Dinge des Lebens.

Fakten, Freiheit, Füreinander: Wie wir Demokratie neu denken können. Markus Mauthes Kamera war an vielen Orten. Sie hat die Schönheit und Vielfalt der Natur auf allen Kontinenten festgehalten, dokumentieren aber auch die schmerzhafte Realität unserer Zeit: den rasanten Verlust der Artenvielfalt, das Schwinden lebenswichtiger Ressourcen und den mutigen Einsatz von Menschen für ihre Freiheit und Grundrechte. Aus diesen tiefgreifenden Erfahrungen und der über drei Jahrzehnte gewachsene Bilderschatzkammer, ist eine Gewissheit gewachsen: Selbst in schwierigen Zeiten, wenn Konflikte überhand nehmen und Desinformation die Gesellschaft spaltet, bleibt die menschliche Fähigkeit zur Empathie unser stärkstes Bindeglied. Diese Hoffnung wird zur Live-Reportage "Die Empathie-Rebellion". Gemeinsam mit Greenpeace zeigt der Aktivist und Buchautor, wie seine ikonischen Fotos aus der ganzen Welt zu inspirierenden Impulsen gegen die Resignation werden. Er plädiert für einen gesellschaftlichen Aufbruch, in dem wissenschaftliche Fakten und tief empfundene Mitmenschlichkeit das Fundament für ein neues Miteinander bilden. Diese Show ist kein klassischer Vortrag. Sie ist ein Erlebnisraum, der demonstriert, wie die Verteidigung der Demokratie im Alltag beginnt: in der Kunst, einander wirklich zuzuhören, im Mut, eigene Widersprüche anzuerkennen, im aktiven Widerstand gegen die schleichende Normalisierung von Hass. Mauthe verbindet dabei politische Analyse mit existentieller Tiefe und zeigt: Die größte Gefahr für unsere Freiheit ist nicht der Lärm der Lautstarken, sondern das Schweigen derjenigen, die noch miteinander reden könnten. Ein Abend für alle, die bereit sind, die Logik der Polarisierung zu durchbrechen und Teil einer Bewegung zu werden, die Brücken baut, statt Gräben zu vertiefen. Markus Mauthe wird beweisen, dass wir alle Empathie-Rebell:innen sein können.

Reisen bildet. Diese „RUND-Reise“ erst recht. STOPPOK, der geistreiche Seismograph unseres Landes, hat 2026 einen runden Geburtstag, wird 70. Das ist zu schön, um nicht gefeiert zu werden. Auf einer „RUND-Reise“ durch die Republik, auf den Live- Bühnen des Landes. seit jeher STOPPOKs natürliches Biotop und Emotions-Revier. Also rein in die Jubel-Touren mit Ecken und Kanten, mit Herz und Hirn, mit neuem Album und alten Freunden. Die Text-Gesangs-Gitarren-Ikone ist offensichtlich in bester Geburtstagslaune. Seit 50 Jahren ist STOPPOK nun Vorzeigemodell einer ganzen Zunft, als einzigartiger Entertainer aus der Frischeabteilung vitaler Songwriterkunst unterwegs, als unabhängiger Geist auf „festem Grund“, der sich schon früh zwischen „Geld oder Leben“ entschieden hat, als herausragender Texter voller Wortwitz, Weisheit und pointierter Poesie. Der Wetterprophet des Wertewandels leuchtet als Unikat. Von nachlassender Kraft und Idee kann dabei nicht die Rede sein. Ein Indiz: Die beiden letzten Alben, „Jubel“ und „Teufelsküche“, landeten unter den Top Five der Media Control Charts. STOPPOK ist ein Sänger und Musiker, hoch geschätzt von renommierten Kolleginnen und Kollegen, der loses Mundwerk mit stupendem Handwerk (seine Saiteninstrumente beherrscht er meisterlich mit höchst persönlicher Note) kombiniert. Gefüttert aus Folk, Blues und Rock’n’Roll entwickelt der STOPPOK-Sound Energie und Eigensinn. Getragen wird diese Idee groovender Gefühlsausbrüche von seiner bestens eingespielten Band: Reggie Worthy am Bass, Leo Lazar am Schlagzeug sowie Sebel an den Tasten und der Gitarre sind folglich auf der „RUND- Reise“ (21. Oktober 2026 bis 15. November) Begleitpassagiere. Passend zu einem neuen Song aus dem zur Tour erscheinenden Album: „Je länger wir zusammen geh’n, umso besser werden wir uns versteh’n“. STOPPOK bleibt dran, beharrlich, lustvoll, launig. Überrascht uns mit besonderen Live-Abenden, bei denen Spontaneität, Spott und Seelenmassage triumphieren. Nix gibt sich mit Siebzich. Welch Glück!

RSxT präsentiert „The Golden Triangle“ im TOLLHAUS! Am 6. November 2026 präsentiert das Roman Schuler extended Trio (RSxT) in Karlsruhe seine neue EP „The Golden Triangle“ und feiert eine fette Releaseparty in der Heimatstadt des Pianisten, Keyboarder und Komponisten Roman Schuler. Die Veröffentlichung widmet sich auf vielen Ebenen dem Dreieck: Drei Musiker legen ihr drittes Album vor – und im Zentrum stehen drei elementare Begriffe: Liebe, Vertrauen und Freude.Das „Goldene Dreieck“ beschreibt dabei einen Zustand innerer Balance: Sind die emotionalen Grundbedürfnisse nach Liebe, Vertrauen und Freude im Leben eines Menschen gleichermaßen präsent, kann daraus ein nachhaltiges, sich selbst erhaltendes Gefühl von Stärke, Verbundenheit und Wohlbefinden entstehen. Die drei Qualitäten bedingen und verstärken einander – Vertrauen schafft Sicherheit, Liebe schafft Verbindung und Freude bringt Energie und Lebendigkeit. Jedes der drei zentralen Stücke der EP widmet sich einer dieser Qualitäten. Entsprechend tragen sie die programmatischen Titel „Love (The Binding Tie)“, „Trust (The Foundation)“ und „Joy (The Spark)“. Bei Joy (The Spark) wird das Trio durch ein Feature von Webster erweitert. Webster ist ein Berliner Saxofonist und Sänger, der mit seiner soundlichen Heimat im Jazz und Hip Hop perfekt zu der „contemporary groove music“ von RSxT passt. Für das Trio ist Musik ein Medium, um Lebensphilosophie, Emotionen und Geisteszustände nicht nur zu beschreiben, sondern hörbar und unmittelbar spürbar zu machen. Seit seiner Gründung im Jahr 2016 steht RSxT für eine Musik, die solche inneren Zustände in Klang übersetzt und dabei Raum für Improvisation, Interaktion lässt.„The Golden Triangle“ ist eine musikalischen Reise durch die Genres Modern Jazzpiano Trio, Groove Jazz und HipHop. Den Sound von Robert Glasper, GoGoPenguin, Essbjörn Svensson Trio und Roy Hargroove einmal durch den Mixer gedreht mit „X“ multipliziert und als feiner Fusion-Drink auf Eis serviert. Roman Schuler - Keys, Ableton WEBSTER - Sax, Vocals Konrad Herbolzheimer - Bass Alex Klauck - Drums

Die derzeit erfolgreichste Choreographin aus Frankreich Leïla Ka hat sich mit ihrer kämpferischen Energie innerhalb weniger Jahre durchgesetzt. Ihr Tanz ist zugleich kraftvoll theatralisch und von furchterregender Präzision und geht unter die Haut.Nach ihrem phänomenalen Auftritt beim Festival 2025 präsentiert tanz karlsruhe nun ihr aktuelles Stück „Maldonne“. Fünf Tänzerinnen mit 40 verschiedenen Kleidern demonstrieren Gemeinsamkeit, Revolte, Tränen, Euphorie, Freude und das über Jahre geteilte Erleben als Frau. Den Kostümen haben sie Namen gegeben, denn sie stammen aus Second Hand Läden und erinnern an die Trägerinnen und ihre authentischen Geschichten. Die Farbenpracht, Eleganz und Leichtigkeit der wirbelnden und wechselnden Kostüme erweist sich als spannungsreicher Kontrast zum Tanz, der auch eindrückliche Bilder von Schmerz, Sturz und Zerrissenheit vermittelt. „Maldonne“ zieht mit seiner kraftvollen, energiegeladenen und theatralen Tanzsprache jeden in seinen Bann, der das Sehnen nach Freiheit kennt. Mit ihren künstlerischen Wurzeln im Urban Dance und ohne akademische Tanzausbildung hat Leïla Ka eine unmittelbar packende Bewegungssprache entwickelt. Seit ihren ersten Solo-Arbeiten bringt sie die vielfältigen Identitäten von Frauen auf die Bühne, die zwischen vorgefertigten Rollenbildern und gesellschaftlichen Erwartungen ihr Aufbegehren, ihre Zerbrechlichkeit, ihre Befreiung und vor allem Schwesterlichkeit leben. Begleitet werden sie von einer variantenreichen Tonspur, die neben alter Musik und der Chansonsängerin Lara Fabian auch Stille umfasst, die vom Atmen der Tänzerinnen durchbrochen wird. Die französische Choreographin Leïla Ka feiert weltweit Erfolge und ist derzeit assoziierte Künstlerin im CENTQUATRE-PARIS. „Maldonne“ war für den International Dance Prize 2025 am renommierten Londoner Saddler’s Wells Theater nominiert.

Seine beiden ausverkauften Tourneen zum Album „Boy Made Out Of Stars“ im Jahr 2025 gerieten zu Triumphzügen für den belgischen Singer-Songwriter. Dass Milow zu seinen deutschen Fans ein besonders enges Verhältnis hat, ist kein Geheimnis – und so dürfen sie sich auf Unplugged Shows freuen, die echte Sternstunden versprechen: Neue Hits wie „Crazy For You“ und „Castaways“ reihen sich an Klassiker wie „Ayo Technology“, „You Don’t Know“ und „Whatever It Takes“ oder „ASAP“. Der intime und reduzierte Rahmen dieser Unplugged Konzerte unterstreicht Milows Klasse als Songwriter. Das neue Album „Boy Made Out Of Stars“ stellt mit seinen introspektiven und emotionalen Themen eine kontinuierliche Weiterentwicklung seines akustischen Storytellings dar. Darüber hinaus ist es ihm und seiner Live-Band, bestehend aus Tom Vanstiphout (Gitarre), Nina Babet (Gesang), Mario Garuccio (Schlagzeug) und Dominik Krämer (Bass) gelungen, die besondere Dynamik ihres Zusammenspiels auch im Studio einzufangen. Da diese Songs wie gemacht sind für ein rein akustisches Konzertsetting, bekommen sie bei dieser Tournee den passenden intimen Rahmen. Über Milow: Milow (Jonathan Vandenbroeck) ist einer der erfolgreichsten Singer-Songwriter Europas und bekannt für seine Fähigkeit, persönliche Themen in universelle Hymnen zu verwandeln. Seine Hits wie „You Don't Know“, „Ayo Technology“, „Howling At The Moon“ und die neueren Erfolge wie „Whatever It Takes“ und „ASAP“ haben ihm eine weltweite Fangemeinde beschert. Milows Live-Auftritte, die durch das Talent seiner Band noch verstärkt werden, sind für ihre Intimität und Energie bekannt.

Herr Jans Lieder sind eine einladende Umarmung, wie warme Milch mit Honig, ausgelassen Tanzen mit befreundeten Menschen und Marshmallows am Lagerfeuer – eine liebevolle Hommage an die kleinen und großen Verrücktheiten des Familienalltags. Zielgruppe: Familien, Kinder, Eltern, Nicht-Eltern Gute, handgemachte Musik wird auf der Bühne meistens noch besser – das gilt auch für die Lieder von Herr Jan und so lässt er gemeinsam mit seiner Superbänd keine Gelegenheit aus, seine Songs auf Festivals, Open Airs oder in Clubs live zu spielen. Im Zentrum stehen Stücke von allen Herr Jan-Alben – instrumentiert mit mehrstimmigem Gesang in Quartettbesetzung. Das Konzept: eine warmherzige Bühnenshow, die die Hände zum Tanzen und Mitsingen ausstreckt, aber auch einlädt zuzuhören und mitzufühlen. Spätestens am Ende ist klar: Alle sind angesprochen: Familien, Eltern, Kinder, Nicht-Eltern. Herr Jan ist zwar als Produzent viel im Studio tätig, aber die Energie und Verbindung, die ein Live-Konzert schaffen kann, ist einfach nochmal eine ganz andere Dimension. Herr Jan und seine Mitmusiker:innen Angelino, Judith und Masl reichen sich gegenseitig die Instrumente in die Hände – Piano, Gitarre, Keys, Drums, Trompete – dazwischen Herr Jan, der singt, rappt, feiert, aus dem Leben erzählt, aber dann und wann auch mal ruhigere Töne anschlägt – es geht um das Konzert als Live-Erlebnis. "Mit meiner Superbänd nehmen wir das Publikum mit auf ein Abenteuer und schaffen eine Atmosphäre, die gut tut und richtig Spaß macht. Meine Konzerte sind echt , denn alle haben ein Recht auf gute Live-Musik.“

Die traditionellen Volkslieder eines Landes gelten oft als uncool – es sei denn, man nähert sich ihnen mit einer ganz eigenen Vision. Man denke nur an Bob Dylan, Fairport Convention oder die Chieftains. Japans einheimische Volksmusik, Min’yō, besteht größtenteils aus Arbeitsliedern, die in ländlichen Gemeinden verwurzelt sind – Musik, die mit dem Alltag, saisonalen Ritualen und der lokalen Identität verbunden ist. Während einige Lieder landesweit bekannt sind, bleiben viele regional begrenzt, und im modernen Japan sind sie jüngeren Generationen oft unbekannt. Die Minyo Crusaders, ein 12-köpfiges Ensemble aus Tokio, interpretieren diese Tradition neu, indem sie eine breite Palette globaler Rhythmen nutzen, von Cumbia und Reggae bis hin zu afro-karibischen und afrikanischen Stilen. Die Band wurde 2011 in Fussa gegründet, einem kulturell vielfältigen Stadtteil am westlichen Rand von Tokio in der Nähe des US-Luftwaffenstützpunkts Yokota. Der Gitarrist Katsumi Tanaka, der sich ursprünglich für Weltmusik interessierte, begann nach dem Tohoku-Erdbeben 2011, sich mit Min’yō zu beschäftigen, auf der Suche nach einer Form japanischer Roots-Musik, die ihn ansprach. Sänger Freddy Tsukamoto – der Min’yō entdeckt hatte, nachdem er im Fernsehen ein Lied aus seiner Heimatstadt gehört hatte – teilte diese Vision, und gemeinsam legten sie den Grundstein für die Gruppe. Mit „From Japan With Love“ aus dem Jahr 2026 machen die Minyo Crusaders einen weiteren Schritt nach vorne. Das Album wurzelt in der tiefen Verbundenheit der Band mit dem Min’yō – eine Hommage an die Musik selbst, ihren Reichtum und ihr beständiges Potenzial, sich über Zeit und Kulturen hinweg weiterzuentwickeln. Aus dieser Perspektive offenbaren die Lieder die vielen Gefühlsebenen, die sie in sich tragen: Ausdrucksformen menschlicher Verbundenheit, familiärer Bindungen und der Sehnsucht nach der Heimat, die in ganz Japan über Generationen hinweg weitergegeben wurden.

Christine Westermann und Mona Ameziane sind gemeinsam auf Lesetour zu ihrem ersten gemeinsamen Buch „Wann wusstest du, dass es gut wird? Über das Leben und seine Geheimnisse". Auf der Bühne setzen die beiden das fort, was im Buch beginnt: ehrliche, warme und überraschend tiefe Gespräche über Antrieb, Glück, Liebe, Körper, Glaube und das, was noch kommt. Zwei Freundinnen und zehn inspirierende Begegnungen: Christine Westermann und Mona Ameziane sprechen mit Humor und Wärme über die ganz großen Fragen. Das Ergebnis ist wunderbar leichtfüßig, tiefgründig und inspirierend. Und ein Anlass, sich selbst und die besten Freund:innen zu befragen. Wie viel hat Liebe mit Sehnsucht zu tun? Stellst du dir manchmal vor, wie dein Leben ohne Arbeit wäre? Wann hast du verstanden, was Glück ist? Es sind die Gespräche zweier Frauen aus verschiedenen Generationen, die sich gut kennen und doch noch ganz viel über die andere erfahren wollen. Und über das Leben. In ihrem Podcast haben Mona und Christine in den vergangenen Jahren um die großen Themen bewusst einen Bogen gemacht – nun ist es so weit: Zehn Kapitel voller überraschender Geschichten und Denkanstöße. Was als intime Begegnung zwischen zwei Freundinnen gedacht war, wird auf ihrer Tour zu einem Abend, der das Publikum einlädt, selbst innezuhalten und vielleicht sogar die eigenen Antworten zu finden.

Der Amerikaner Rob Becker schrieb mit CAVEMAN das erfolgreichste Solo-Stück in der Geschichte des Broadways. Nachdem der moderne Höhlenmann in den USA von einem Millionen-Publikum bejubelt wurde, feiert er inzwischen weltweite Erfolge. Auch hierzulande begeistert die Kult-Comedy in der Übersetzung von Kristian Bader und der Regie von Esther Schweins alle, die eine Beziehung führen, führten oder führen wollen, in Karlsruhe seit Jahren unvergleichlich dargestellt von Martin Luding.

Ob man es nun bedauert oder nicht, der Blues ist global geworden und wird von Musikern verteidigt, die ihm ihre individuelle Seele geben. Der Sänger und Gitarrist Kai Strauss gehört zu diesem kleinen Kreis. „Schon als Teenager war ich von der Magie eines Buddy Guy, Albert King oder der Vaughan Brothers infiziert.“, sagt der musikalisch in Deutschlands Blueshochburg Osnabrück aufgewachsene Musiker, der mittlerweile zusammen mit seiner international besetzten Band als einer der großen Namen der europäischen Szene gilt. Von seinem professionellen Start, als er sich 1995 mit dem in Texas, USA, geborenen Sänger Memo Gonzalez zusammentat, bis hin zu seiner erfolgreichen Karriere als Solokünstler hat sich Kai Strauss als Gitarrist und Sänger mit Kraft und Originalität erwiesen. Mehrere German Blues Awards sowie Auftritte auf renommierten Festivals von Europa bis in die Karibik bestätigen, dass Strauss in der internationalen „Blues Champions League“ angekommen ist. Mit „Night Shift“ hat Kai Strauss jetzt sein siebtes Album veröffentlicht. Als Songwriter hat er sich spürbar weiterentwickelt. Seine Lieder haben an Dringlichkeit und Aktualität gewonnen und greifen auch mitunter ernstere Themen auf. Obwohl Strauss eindeutig die Grammatik der alten Bluesmeister gelernt hat, ist seine Gitarrenarbeit keineswegs ein „Malen-nach-Zahlen-Blues“. Mit eigener Stimme vorgetragen, platziert Kai seine Gitarrenlicks energiegeladen und ausgefeilt wie ein südamerikanischer Elfmeterschütze. Und wenn sogar US-Bluesmogul Bruce Iglauer (Alligator Records) Strauss als Musiker „who has it all“ lobt, weiß man, dass sich acht Tonträger, TV-Auftritte und unzählige Shows in über 20 Ländern ausgezahlt haben. Der Blues war schon immer ein schwer zu eroberndes Feld, aber Kai Strauss ist auf dem besten Weg, genau das zu tun.

PAULA PAULA macht perimenopausalen, dystopisch-romantischen Aufruhrpop mit linksfeministischem Bildungsauftrag, unerschütterlicher Menschenliebe und Texten, die mit einer Hand ins Gesicht pieken, während sie die andere zur endgültigen Versöhnung ausstrecken. Mit einer unglaublich berührenden Mischung aus wütender politischer Positionierung, über sich selbst lachender Fehlbarkeit und viel Platz für die zarten Zwischentöne des Menschseins fegt PAULA PAULA live in Fünferbesetzung einmal alle Kanäle der Zuhörenden frei. Es wird gezappelt, gelacht und auch gerne geweint. Nach ihrem gefeierten Debüt „schade kaputt“ mit über 100 Konzerten, rasant wachsenden Publikumsströmen, ausverkaufter Vinylauflage, Auftritten in der ARD Ladies Night, bei Till Reiners’ Happy Hour und Lobeshymnen in Spiegel, taz und DLF Kultur knackt PAULA PAULA jetzt das nächste Level und nimmt uns mitten rein in den Kompostierungsprozess. Nicht umsonst heisst das zweite Album „Heilige Scheiße“. (VÖ 05.06.26, Listenrecords) Als very special guest hat PAULA PAULA auch dieses Jahr wieder den Karlsruher Kneipenchor mit im Boot!

VeranstaltungsortKulturzentrum TOLLHAUS www.tollhaus.de Alter Schlachthof 35, 76131 Karlsruhe

Die Lautenbacher Blaskapelle mit Jos Rinck haben mehrmals mit großem Erfolg im TOLLHAUS gastiert. Nun musste sich die Formation nach dem überraschenden Tod von Jos Rinck neu formieren. Zwei grandiose Musiker, die auch viel mit Jos Rinck gearbeitet haben, konnten gewonnen werden, um dieses außergewöhnliche Projekt weiterzuführen: Petra Woisetschläger (Klavier und Stimme) sowie Udo Betz am Bass. Die Lautenbacher Blaskapelle ist ein 25-köpfiges Ensemble, das seit über 40 Jahren im Bodenseehinterland in einer Einrichtung lebt und arbeitet. Weit über die Grenzen von Lautenbach reist die Kapelle und begeisterte zum Beispiel in Brüssel, Budapest oder Berlin die Zuschauerinnen und Zuschauer. Zitat einer Zuschauerin: "Ich sah behinderte Menschen bis ich feststellte, dass es Musiker sind, die das Spektrum von Klassik, Jazz bis Rock und Pop mit einer eindrucksvollen Begeisterung auf die Bühne bringen." "Tohuwabohu" heißt das neue Programm, das in Karlsruhe uraufgeführt wird. Es ist ein innovatives, inklusives Musikprojekt, das darauf abzielt, die Grenzen zwischen Menschen mit und ohne Behinderungen durch die universelle Sprache der Musik aufzulösen. Das Projekt basiert auf dem Konzept der freien Musikimprovisation, wobei der Name "Tohuwabohu" bewusst gewählt wurde, um die kreative Energie und das scheinbare Chaos zu symbolisieren, aus dem etwas Neues und Schönes entsteht. In wöchentlichen Proben kommen Teilnehmende mit unterschiedlichen körperlichen und geistigen Fähigkeiten zusammen, um gemeinsam zu musizieren. Dabei werden sowohl traditionelle als auch speziell entwickelte, barrierefreie Instrumente eingesetzt. Ein besonderer Fokus liegt auf der Entwicklung von Techniken, die es jedem Teilnehmenden ermöglichen, sich musikalisch auszudrücken, unabhängig von eventuellen Einschränkungen. Ziele der Zusammenarbeit von Petra Woisetschläger und Udo Betz und der Kapelle sind: Förderung der Inklusion: Durch das gemeinsame Musizieren werden Barrieren abgebaut und ein tieferes Verständnis füreinander geschaffen. Und die Entwicklung neuer Formen der musikalischen Improvisation: Das Projekt erforscht innovative Wege, wie Menschen mit unterschiedlichen Fähigkeiten zusammen Musik erschaffen können. Dies dient auch der Stärkung des Selbstbewusstseins: Teilnehmende erfahren Selbstwirksamkeit und entdecken neue Ausdrucksmöglichkeiten. Es dient auch der Sensibilisierung der Öffentlichkeit: Durch öffentliche Aufführungen wird ein breiteres Bewusstsein für die Potenziale inklusiver Kunst geschaffen und natürlich auchder Förderung der sozialen Interaktion: Das Projekt bietet eine Plattform für den Aufbau von Beziehungen über vermeintliche Grenzen hinweg.