Astra Kulturhaus Berlin

Dendemann DOCH! Dendemann ist zurück: Nach einer intensiven Kreativphase kommt die Deutschrap- Legende im Herbst 2026 auf exklusive Club-Tour durch die Republik. Was genau hat eigentlich Dendemann zuletzt gemacht? Der vielleicht wortgewaltigste und beste deutsche MC, der mit Arme Ritter, Eins Zwo und solo zur HipHop-Ikone geworden ist? Nun ja, 2026 rät unser Lieblingsrapper in Zeiten wie diesen – so laut, unüberschaubar und schnell sie auch sein mögen – zur Besonnenheit: »Ich mache weiterhin das, was ich für schön und richtig halte«, sagt Dendemann, »Wenn man eigen ist, sind auch die Wege eigen.« Die Zeit nach der Single »Gedanken, gut« und der restlos ausverkauften Tour im Frühling 2025 hat Dendemann zur kreativen Kontemplation genutzt. Ideen ausgeheckt, Songs geschrieben, allein und mit anderen an neuer Musik gearbeitet. Bevor die aber nun fertig ist und also veröffentlicht wird, will Dendemann diese Musik dorthin bringen, wohin sie gehört: In kleine Räume mit Bühnen und echten Menschen. »Clubs sind ehrlich, da merkt man sofort, was trägt«, sagt er. Und weil also nichts unmittelbarer wirkt als ein Konzert, begibt sich Dendemann im Herbst 2026 auf eine gediegne Clubtour. Kein Hype, kein Like, einfach nur 10 Abende lang für jeweils zwei Stunden mit den Fans im selben Raum. Wir dürfen uns an diesen Abenden auf den unmittelbarsten Dendemann seit Langem freuen. So ist die Tour, die bei Dendemann unter dem Arbeitstitel DOCH läuft, eine Art freundschaftliche Flucht nach vorn. Nicht aus Trotz, sondern aus Haltung hat Dendemann sich entschieden, auf den ganzen Irrsinn, der uns da draußen umgibt, mit einer Deklaration des Schönen, Wahrhaftigen, des Unmittelbaren zu reagieren. An diesen Abenden wird Dendemann prägende deutsche Hip-Hop-Geschichte ebenso live auf die Bühne bringen, wie neue Ideen und eine Ahnung von der unmittelbaren Dendemann-Zukunft. Tickets für die einzige Möglichkeit Dendemann 2026 live zu erleben gibt es hier: https://dendemann.de/tickets

Das neue Album „Wenn es Liebe ist“ von Die Sterne versammelt vertraute Indiepop-Momente im typischen Sterne-Sound, aber auch unerwartete Neuerfindungen. Neben deutschen Texten gibt es englischsprachige Songs, Post-Punk-Einflüsse, und auf zwei Stücken übernimmt Dyan Valdés den Leadgesang. Statt wie die hundertste Wiederholung klingt das Album wie ein Neuanfang – frisch, pointiert, humorvoll und kompromisslos. Die Single „Ich nehme das Amt nicht an“ setzt auf ein gewaltiges Riff, einen treibenden Beat und eine Energie, die von Größen wie Jack White oder T. Rex inspiriert ist. Sänger und Frontmann Frank Spilker beschreibt den Song als „Riff-Rock“ – ein Ventil für die Irrationalität und die Diskursverweigerung, die unsere Zeit prägt. Inhaltlich nimmt der Song die Renaissance des Irrationalen ins Visier: den Verlust argumentgetriebener Debatten, die Abkehr von Fakten, die Zuspitzungen, die längst in Gewalt umschlagen. Spilker formuliert scharf, ironisch und zugleich erschreckend aktuell – und zeigt damit einmal mehr, wie präzise Die Sterne gesellschaftliche Entwicklungen in Musik übersetzen. Seit den frühen 1990er-Jahren sind Die Sterne eine der wichtigsten Stimmen im deutschsprachigen Pop. Mit ihrem feinen Gespür für gesellschaftliche Beobachtungen, politischen Witz und poetische Schärfe haben sie Maßstäbe gesetzt, an denen sich bis heute viele messen. „Wenn es Liebe ist“ beweist, dass Die Sterne auch über 30 Jahre nach ihren ersten Platten kompromisslos relevant geblieben sind.

Halloween in Berlin bekommt 2026 ein ganz besonderes Highlight: Am 31. Oktober verwandelt Alle Farben das legendäre Astra Kulturhaus in einen Ort voller treibender Beats, magischer Club-Vibes und echter Gänsehaut-Momente – bei der exklusiven Halloween Edition seiner Club Tour! Freut euch auf eine Nacht voller Farben, Kostüme und unvergesslicher Musik. Mit seinem unverwechselbaren Sound sorgt Alle Farben für pure Energie. Ob verkleidet oder nicht – diese Halloween-Nacht wird außergewöhnlich. Feiert mit uns eine schaurig-schöne Partynacht voller Farben, Musik und Emotionen im Astra Kulturhaus Berlin! Line-Up: Alle Farben Lahos

Founded in Karlskrona / Sweden in 1996, The Bones created their own sound, with their powerful Punk’n’Rock. Their music is dominate by straight drives and a lot of singalongs. They kick ass everywhere they play and leave their crowd jumping and screaming, like no one else.

This is gonna be a very special screening of the infamous NOFX documentary. Guitarist EL HEFE will answer questions before and after the movie. ULI SAILOR PUNKROCK PIANO is gonna play live, this time with an extra dose NOFX songs. CHRIS KOTZE will deejay around that and we offer seat service for drinks during the movie. There might be popcorn too. Don’t sleep, tickets are limited!

Manche Musiker*innen altern in Würde, indem sie leiser werden. Sie wählen den Rückzug ins Akustische, drosseln das Tempo und blicken altersweise auf das eigene Werk. Und dann gibt es Brian Fallon. Der Frontmann der PunkrockInstitution The Gaslight Anthem macht auf seinem fünften Soloalbum „Not Bad for New Jersey“ genau das Gegenteil: Er dreht die Verstärker auf. Fallon feiert die Rückkehr zur ungestümen Romantik jener Rocksongs, die ihn als Jugendlichen prägten. Es ist eine Hommage an die Unvernunft sowie an Figuren, die zu viel riskieren und bedingungslos lieben. Musikalisch schlägt sich das in einer rasanten Mischung aus PowerPop und Heartland-Rock nieder. Produziert von Butch Walker und größtenteils live in der Nähe von Nashville eingespielt, verweigert sich die Platte jeder zynischen Abgeklärtheit. Stattdessen regiert die pure, raue Energie, unterstützt von hochkarätigen Gästen wie Brandon Flowers (The Killers) oder Def-Leppard-Gitarrist Phil Collen. Diese kompromisslose Leidenschaft entfaltet ihre wahre Kraft dort, wo Fallons Musik seit jeher zu Hause ist: auf der Bühne. Live-Konzerte sind für den Songwriter aus New Jersey keine bloße Pflichtübung, sondern das eigentliche Zentrum seines Schaffens. Wenn Fallon mit seiner Reibeisenstimme vor das Publikum tritt, überträgt sich die Dynamik der LiveAufnahmen direkt in den Saal. Seine Tourneen leben von diesem kollektiven Moment des Ausbrechens, in dem die Grenze zwischen Band und Publikum verschwindet. Es geht um das gemeinsame Erleben von Songs, die vom Scheitern und Wiederaufstehen erzählen, Hymnen für die Außenseiter*innen, die trotz aller Rückschläge weitermachen. Auf der Bühne wird diese geteilte Melancholie zu einer feierlichen Euphorie. Das Album reflektiert diese Live-Energie perfekt. Der wuchtige Titelsong blickt fast ungläubig auf das eigene Überleben zurück, während das mit Brandon Flowers geschriebene „Love at the End of the World“ ganz ohne Refrain auskommt und eine hypnotische Dringlichkeit entwickelt. Selbst ein rasanter Punk-Song über den Ramones-Bassisten Dee Dee Ramone fügt sich nahtlos in das Bild eines Künstlers, der lieber mit Vollgas scheitert, als auf Nummer sicher zu gehen. Fallon sucht in seinen Texten bewusst die Geschichten derer, die am Ende nicht triumphieren, aber es mit einer brennenden Leidenschaft versucht haben. Wer diese ungezähmte Hingabe selbst erleben möchte, muss nicht mehr lange warten. Im Herbst 2026 kommt Brian Fallon für vier exklusive Konzerte nach Deutschland.

Von einer Band, die man liebt, wünscht man sich beides: dass sie überrascht und ganz sie selbst bleibt. Mit ihrem dritten Album „Ideale“ gelingt Die Verlierer genau das. Was man von ihnen erwartet, scheint kaum eine Rolle zu spielen. Große Refrains, lange Stücke, Instrumentalpassagen und experimentellere Momente führen die Songs in unerwartete Richtungen. Dann kommt mit „Bomben“ plötzlich ein beinahe kitschiger, offen sentimentaler Moment. Doch die Verlierer gehen damit so unverkrampft um, dass sie einen mit Dingen erwischen, die man eigentlich nicht mag. Die Songs unterscheiden sich deutlich voneinander und ergeben ein geschlossenes Album. Zusammengehalten werden sie vom unverwechselbaren Sound der Band, der ihre Identität entscheidend prägt. Dazu kommt diese mitreißende Energie, die Die Verlierer seit ihrem ersten Album auszeichnet. Bei aller musikalischen Freiheit bleibt die Haltung stabil. Die Texte sind klar politisch: gegen Gier, Krieg und die Mächtigen, die entscheiden, Kasse machen und die Folgen anderen überlassen. Die Texte bleiben nicht bei Orientierungslosigkeit und einer düsteren Bestandsaufnahme stehen. Als einzige Gegenkraft rückt stärker als zuvor die Verbindung zwischen Menschen in den Mittelpunkt: eine Hand, eine Berührung, ein gemeinsamer Moment oder ein Korn Hoffnung in der Aussichtslosigkeit. Was die Texte klar aussprechen, ist in der Freiheit und Energie der Musik zu spüren. „Dornbusch“ bringt auf den Punkt, was diese Band im Kern ausmacht. Fünf Menschen geben etwas Intimes hinein, jede Stimme bleibt bei sich, und gemeinsam schaffen sie etwas, das nur diese fünf hervorbringen können. Der letzte Satz des Albums bleibt hängen: „In Zeitlupe kann man die Welt nicht retten.“ Eine Absage an Stillstand und Wegsehen – ein passender Schlusspunkt für ein Album, das ernst auf die Welt blickt und seine Energie nie verliert. (V.Varlet) Für das Konzert gibt es Sozialticket zu einem günstigeren Preis, diese Tickets sind limitiert. Bitte lasst sie für die Leute, die sie wirklich brauchen! Im Umkehrschluss gibt es Supporter-Tickets, die Ihr erwerben könnt und damit Band und Venue unterstützt.

IAM WHO IAM – das ist kein Konzert. Das ist ein Bekenntnis. Ein Raum, in dem du so sein kannst, wie du wirklich bist. Kein Filter, keine Maske. Nur Du, der Moment und der Sound. Diese neue Konzertreihe steht für pure Identität. Für das Gefühl, sich selbst zu gehören. Für Nächte, in denen jeder Beat zu deiner Sprache wird und jede Melodie dich daran erinnert, wer du bist und wer du sein willst. IAM WHO IAM ist Alfred Heinrichs in seiner persönlichsten Form: roh, ehrlich, kraftvoll. Melodic Techno, der nicht nur den Körper, sondern vor allem das Innere bewegt. Jedes Set ist ein Statement, kein Nachspielen, sondern Erleben. Keine Wiederholung, sondern Transformation. Hier geht es nicht darum, jemand zu sein, sondern Du selbst zu sein. Die Crowd ist kein Publikum, sie ist ein Spiegel. Eine Gemeinschaft, die durch Sounds, Bässe und Momente zusammenwächst. Jede Show ein Ort, an dem Identität gefeiert wird. Deine. Unsere. Die aller, die hier zusammenfinden. Ob du schon lange Teil der Gäng bist oder erst einsteigst - IAM WHO IAM verbindet. Menschen. Gefühle. Geschichten. Du kommst nicht nur hin. Du kommst bei dir an. IAM WHO IAM – Sei, wer du bist. Und wenn du willst: Sei es mit uns.

Im November 2026 kommen Eagles of Death Metal im Rahmen ihrer Celebrating 20 Years of „Death by Sexy…“ Europe & UK Tour für vier Shows nach Deutschland!Eagles of Death Metal ist eine amerikanische Rockband aus Palm Desert, Kalifornien, die 1998 von den besten Freunden Jesse Hughes und Joshua Homme gegründet wurde. Im Laufe der Jahre gehörten zahlreiche weitere Musiker zur Gruppe, die sowohl auf den Studioalben als auch bei Live-Auftritten mitwirkten.Die aktuelle Tourbesetzung von EODM besteht aus dem stets präsenten Frontmann Jesse Hughes, Leah Bluestein am Schlagzeug, Scott Shiflett an der Gitarre und Dustin Douglas am Bass.Trotz ihres Bandnamens ist Eagles of Death Metal keine Death-Metal-Band – der Name ist vielmehr augenzwinkernd gemeint. Ihr Sound wird als eine Mischung aus “bluegrass slide guitar mixed with stripper drum beats and Canned Heat vocals“ beschrieben. Mit einem Frontmann wie Hughes, der für seine übertriebene, theatralische Bühnenpräsenz und seine beinahe missionarische Interaktion mit dem Publikum bekannt ist, werden die Live-Auftritte der Band zu einem echten Erlebnis.

In 2026, Alceu Valença celebrates his 80th birthday with 80 SUNFLOWERS, a special European tour that brings the artist’s vibrant energy and timeless music to audiences across the continent. After touring major Brazilian capitals, the show arrives in Europe presenting Alceu at the height of his artistic power. The concert revisits some of his greatest hits — including “Anunciação,” “Belle de Jour,” “Tropicana,” and “Como Dois Animais” — while tracing his musical journey from its early roots to the present day. With a stellar band of long-time collaborators, 80 SUNFLOWERS highlights Alceu Valença’s unique ability to connect with multiple generations. This new Euro Tour, created in partnership with Primeira Linha, promises to be the most significant and celebratory chapter of his international career.

Der Ausnahmekünstler kommt auf seiner Same Difference Tour im November für ein Konzert nach Berlin Über 40 Millionen monatliche Hörer:innen auf Spotify, eine der prägendsten Stimmen unserer Zeit und gleich mehrere Songs, die zu den meistgehörten Stücken jemals zählen: Swae Lee ist ein Künstler der Superlative. Egal ob als Songwriter, Feature-Gast oder Solokünstler – was der US-Amerikaner anfasst, scheint Gold zu werden. Als einer der prägendsten Schreiber der 2010er-Jahre hat Swae Lee unter anderem bereits mit Hochkarätern wie Travis Scott oder Beyoncé zusammengearbeitet und parallel seine Karriere als Artist immer weiter an die Spitze getrieben. Gemeinsam mit seinem Bruder Slim Jximmi wurde er zunächst mit dem Trap-Duo Rae Sremmurd und Songs wie „Black Beatles“ international bekannt, bevor er mit seinen Solo-Veröffentlichungen auch jenseits des Hip-Hop große Erfolge erzielte. Tracks wie „Unforgettable“ gemeinsam mit French Montana oder der rekordträchtige Song „Sunflower“, die erste Single überhaupt mit doppelter Diamant-Auszeichnung, verleihen Swae Lee schon jetzt Legendenstatus. Erst im August war der US-Amerikaner mit seine aktuellem Album „Same Difference“ auf Europatournee und kehrt im November in diesem Rahmen für ein weiteres Konzert nach Berlin zurück. Als Khalif Malik Ibn Shaman Brown wurde Swae Lee 1993 in Kalifornien geboren und hat bereits im Jugendalter begonnen, gemeinsam mit seinem Bruder zu rappen. Nach ein paar weniger erfolgreichen Jahren unter anderem Namen, ging die Karriere des Duos als Rae Sremmurd 2013 so richtig los. Schnell begann Swae Lee neben seinem Rap-Projekt auch solo zu musizieren. In kurzer Zeit wurde er zu einem der gefragtesten Feature-Gäste in der Rap-Szene und darüber hinaus und gilt heute als einer der erfolgreichsten Künstler weltweit, der Hip-Hop, R&B und Pop mühelos miteinander verschmelzt. Im November kann man den Künstler im Rahmen seiner Same Difference Tour Europe für eine Show in Deutschland antreffen.

DIE SHOW IST RESTLOS AUSVERKAUFT UND ES WIRD KEINE TICKETS AN DER ABENDKASSE GEBEN!

Nachdem Anna von Hausswolff ihre düsteren Klangwelten Anfang 2026 auf der fast vollständig ausverkauften „ICONOCLASTS“-Tour nach Deutschland gebracht hat, kehrt die schwedische Künstlerin nun für weitere Termine im November zurück. Mit einer unverwechselbaren Mischung aus monumentalen Orgelklängen, experimenteller Klangkunst und einer Stimme, die gleichermaßen verletzlich wie überwältigend wirkt, hat Anna von Hausswolff sich längst als faszinierende Künstlerin etabliert, die mit Kreativität begeistert. Im Oktober 2025 erschien ihr siebtes Studioalbum „ICONOCLASTS“, auf dem die Schwedin erneut ihre besondere Fähigkeit entfaltet, Tradition und Innovation miteinander zu verweben. Mit der Kirchenorgel als Herzstück ihres Schaffens, schält sie Klangwelten frei, die zwischen uralten Ritualen und modernen Soundeinflüssen schweben. Auf „ICONOCLASTS“ erweitert sie dieses Fundament um poppigere, leuchtendere Elemente, ohne dabei die charakteristische Tiefe und Intensität ihrer Musik zu verlieren. Mit den Vorabsingles „Stardust“ und „The Whole Woman“ zeigte sie bereits die Vielseitigkeit des Albums: Während „Stardust“ zu einem radikalen Umdenken aufruft und voller energetischer Wucht pulsiert, zeigt das Duett mit Iggy Pop eine intimere, beinahe zarte Seite ihres künstlerischen Ausdrucks. Unterstützt von langjährigen Wegbegleitenden und Gästen wie Saxofonist Otis Sandsjö, Abul Mogard oder Ethel Cain – mit der „Aging Young Women“ entstand, das ergreifend das Älterwerden von Frauen in dieser Gesellschaft verhandelt – entsteht ein Werk, das gleichermaßen spirituell, kompromisslos und lebensnah ist. Live verwebt Anna von Hausswolff reine Musikperformance mit den immersiven Erfahrungen, die ihrem Sound innewohnen und so das Publikum berühren. Zwischen hallenden Trommeln, flirrenden Gitarren und der überwältigenden Präsenz ihrer Stimme entfaltet sich eine Energie, die Räume füllt und Herzen in Bewegung setzt. Von der ersten Note bis zum letzten Ton entsteht eine Atmosphäre, die sich wie ein intensives Ritual anfühlt: Ein Wechselspiel aus Intimität und kollektiver Ekstase, das man so schnell nicht vergisst. Mit ihrer aktuellen Liveshow eröffnet Anna von Hausswolff ein neues Kapitel in ihrer beeindruckenden Laufbahn und lädt dazu ein, sich auf eine Reise durch Klangwelten voller Geheimnisse, Sehnsucht und ungebändigter Kraft zu begeben.

Ignite burst out of Orange County’s punk and hardcore scene in 1993, firing on all cylinders with a mix of raw intensity, soaring melody, and lyrics that carried real weight. Their debut EP Where They Talk in 1994 set the tone, and by the time Our Darkest Days arrived in 2006, Ignite had become a global force, packing clubs, tearing up festival stages, and inspiring a dedicated worldwide following. In 2022 the band opened a bold new chapter with their self-titled album, introducing vocalist Eli Santana and proving once again that their passion burns as strong as ever. The record captures everything fans love about Ignite: anthemic hooks, powerful messages, and a raw energy built for the stage. Today, with Eli joined by longtime members Brett Rasmussen (bass), Nik Hill (guitar), and Craig Anderson (drums), Ignite continue to move forward with the same purpose that has driven them from the very beginning. Over the years Ignite have shared stages with everyone from Bad Religion and Suicidal Tendencies to Avenged Sevenfold, Rise Against, Madball, and Comeback Kid, along with appearances at some of the biggest festivals in the world. With more than three decades behind them, Ignite remain unstoppable. This is a band that turns conviction into melody, energy into unity, and every show into a reminder that punk and hardcore are still very much alive.

Wer ist MC Bomber? - diese Frage stellt man sich wohl immer wieder beim Hören seiner Songs. Ginge es nach ihm würde seine Bio sehr schnell erzählt werden: “MC Bomber wurde geboren, er rappte und starb.” Da er aber noch quicklebendig ist, entspricht diese Version der Geschichte wohl nicht ganz der Wahrheit. Doch da das monotone Aneinanderreihen von bisher veröffentlichten Tonträgern nicht dem Charakter eines MC Bombers gerecht wird, lässt sich an dieser Stelle nur festhalten, dass MC Bomber aus seinem Schönheitsschlaf erwacht ist und er nun bereit ist für Phase Zwei seines Planes.

„The Silence Follows Tour" + Special Guests: CASKETS + AVIANA

Wasia Project chart a new hinterland on debut album, ‘Nocturne’, out this summer via AWAL. Sibling duo – Olivia Hardy and Will Gao – turn coming-of-age angst into catharsis, fashioning a kinetic journey steeped in the lore of the night; the heady introspection of twilight hours, and the euphoric embrace of the dancefloor where bodies commune and coexist. Across 12 tracks, Wasia Project alchemize their classical training with the friction and frisson of club-adjacent dance music, cinematic piano-pop balladry, modern soul and shades of electronica. If one stock image of the auditory journey is evoked, it’s that of a white lily blooming in a moonlit urban space surrounded by silhouettes captured through slow shutter speed. ‘Nocturne’ is the voice of youth, the voice of now. An album that is intrinsically fresh and relevant, a presentation of Wasia Project’s experiences, both unique and universal, for audiences of all ages to relate to and reflect on. An eerily prescient take on the lost years during and after COVID, the album examines the residual effects of distance and isolation on a perennially-online generation of young adults suspended in time. In keeping with the interior and exterior night-time spaces Will and Olivia were occupying as they entered their twenties, the pair lower the pH of their sound, eschewing the lightness of their early inventions for a darker, grittier, more narcotic brew.

Auf der musikalischen Reise von MUNA ging es schon immer darum, einen Platz für die komplexen, unordentlichen und ekstatischen Realitäten des Lebens zu kreieren. Diesen Ansatz hat die Band mit ihrem Sound zwischen Indie-, Synth- und Electro-Pop nie aus den Augen verloren und ihn auf dem vierten Album „Dancing On The Wall“ zur bisher schärfsten, düstersten und berauschendsten Form gebracht. Das führte MUNA seit 2016 weltweit auf Tour, wo sie das Publikum mit ihrem teils verspielten Sound im Vorprogramm von Harry Styles, The 1975, Phoebe Bridgers, Lorde und Taylor Swift begeistern konnten. Mit einem brandneuen Album im Gepäck kommt das Trio im November auf der Gets So Hot Tour für zwei Headlineshows nach Deutschland. MUNA gründeten sich 2013 in Los Angeles, nachdem sich Katie Gavin, Josette Maskin und Naomi McPherson an der University of Southern California kennengelernt hatten. Aus ersten Sound-Experimenten entstand ein Electropop-Sound, den die Band auf ihrer Debüt-EP „More Perfect“ (2014) erstmals präsentierte und daraufhin von RCA Records und Columbia Records unter Vertrag genommen wurde. Nach der zweiten EP „Loudspeaker“ (2016) folgte das Debütalbum „About You“ (2017), das in die Top 10 der Billboard 200 einstieg. Eine USA-Tour als Support von Grouplove, eine Performance auf dem Lollapalooza und ein Auftritt in Jimmy Fallons The Tonight Show machten den nationalen Durchbruch von MUNA perfekt. Die Verwendung ihres Songs „I Know A Place“ in „The Carmilla Movie” sowie im Netflixfilm „Alex Strangelove“ und eine Nordamerika- und Europatour mit Harry Styles führten zu wachsender internationaler Bekanntheit. 2019 folgte ihr zweites Album „Saves The World“, das mit dem Fanfavoriten „Number One Fan“ auf Platz 7 der US Heatseekers Charts einstieg. Nachdem sich MUNA 2020 im Zuge der COVID-19-Pandemie von ihrem Major Label trennten, unterschrieben sie 2021 bei Phoebe Bridgers Label Saddest Factory Records. Dort veröffentlichten sie 2022 ihre dritte LP „MUNA“, auf der die Band mit Songs wie „Silk Chiffon“ und „Anything But Me“ tief in lockere Synth-Pop-Sounds eintauchte. Auf ihrem vierten Werk kanalisieren MUNA nun die ängstliche und unsichere Energie des Lebens in Los Angeles, geprägt von politischer Spannung, dem Verfall der Umwelt und den stillen, aber prekären Unsicherheiten der Millenial-Generation. Das Resultat ist ein Album, das gleichermaßen intim wie spektakulär ist: Eine aufreibende Popwelt voller Geist, emotionaler Resonanz und nahbarem Storytelling, die nicht nur flüchtige Momente festhält, sondern vollständig einfängt. So liefert „Dancing On The Wall“ einen Soundtrack für brennende Herzen, die auch vom Chaos um sie herum entfacht sind, während MUNA beweisen, dass ihre mutige Vision von modernem Indie-Pop sowohl introspektiv als auch mit sozialem Bewusstsein existieren kann.

Es ist viel passiert bei Dominik Hartz: Das erste Album, eine ausverkaufte Albumtour, und zahlreiche Festivalauftritte wie beim Deichbrand, Highfield, San Hejmo oder der Winterthurer Musikfestwochen. 2026 meldet sich Dominik Hartz endlich mit der verstr!ckt Tour zurück: Mit im Gepäck: sein gleichnamiges neues Album, inklusive der Single “Fast vergessen” feat. jolle. Die Texte auf „verstr!ckt” sind geprägt von Veränderungen: Kompromisslos sein, sich nicht ablenken lassen von Dingen, die sowieso nicht zu beeinflussen sind – um am Ende wieder (hoffentlich) ganz bei sich zu sein. Dominik Hartz will sich nicht anpassen, im Gegenteil: „Für die Wolken an meinem Himmel ist die Sonne nie genug“. Gnadenlos ehrlich berichtet er von Highs und Lows in den Schluchten der Großstadt, in einer Welt, in der Schein mehr als Sein ist und alle etwas im Schilde führen. So düster dies alles klingen mag, schafft es Dominik Hartz trotzdem, seinen Optimismus nicht zu verlieren: „Mache mir keinen Kopf mehr und lasse mich nicht unterkriegen“. Das sind Songs für Menschen, die, trotz der aktuellen Weltlage, ihren Blick auf das Schöne nicht verlieren möchten. Wer Dominik Hartz mit seiner Band, frischen Songs und seinem neuen Album live erleben möchte, sollte dies unbedingt tun: Hier steigt gerade ein neuer Stern am Deutschpop-Himmel auf!

Als Selig 1994 ihre Debütsingle „Sie hat geschrien“ veröffentlichten, war das Staunen groß. Eine Mischung aus Grunge und Rock, aber mit deutschen Texten – das hatte bisher noch niemand gemacht. „Ich weiß noch, wie wir damals immer im Lehmitz saßen und philosophiert haben – dass wir eine Bresche für den Rock’n’Roll schlagen müssen, dass wir auffallen und herausragend sein müssen“, blickt Jan Plewka amüsiert zurück. „Wir sind wirklich mit richtig großem Maul losgestiefelt, nichts konnte uns etwas anhaben. Wir waren die Reiter der Apokalypse.“ Das selbstbetitelte, von Franz Plasa produzierte Debütalbum bescherte der Band wenig später den kommerziellen Durchbruch, samt Dauerrotation im Musikfernsehen, ausverkauften Shows und einem Echo. Was dann folgte, ist die klassische Rock’n’Roll-Geschichte: Mit ihrem deutlich psychedelischeren Zweitwerk „Hier“ feierte die Band das neue Rockstar-Leben noch, doch dann wurden sie von ihrem eigenen Erfolg überrollt. Kurz nach Erscheinen ihres dritten Albums „Blender“, das in New York entstanden ist und sich stärker in Richtung Pop orientierte, verließ Sänger Jan Plewka im Streit die Band. 1999 gaben Selig ihre Trennung bekannt. Neun Jahre widmeten Jan Plewka, Gitarrist Christian Neander, Bassist Leo Schmidhals und Schlagzeuger Stephan „Stoppel“ Eggert sich anderen Projekten, bevor sie 2008 ihr Comeback bekannt geben. Seitdem läuft es für Selig besser denn je: Mit „Und endlich unendlich“ (2009), das Goldstatus erreichte, „Von Ewigkeit zu Ewigkeit“ (2010), „Magma“ (2013) und „Kashmir Karma“ (2017) haben sie vier Alben veröffentlicht und es damit dreimal in die Top 10 der deutschen Charts geschafft. Sie haben am Bundesvision Song Contest teilgenommen, Lieder aus der Band-Historie für das Album „Die Besten (1994-2014)“ neu aufgenommen und für die Compilation „SELIG macht SELIG“ zuletzt befreundete Musiker wie Wolfgang Niedecken, Johannes Oerding und Olli Schulz gebeten, ihre Songs neu zu interpretieren. Ab April ist Jan Plewka in der neuen Staffel der VOX-Show „Sing meinen Song“ zu sehen, im Herbst soll das achte Album von Selig erscheinen. „Das verrückte ist: wir haben heute wieder ein ähnliches Gefühl, wie zu Beginn unserer Karriere“, sagt Leo Schmidhals. „Man ist aufgeregt über die Dinge, die man macht. Heute sind es natürlich ganz andere Themen, die uns bewegen. Aber es gibt so viel zu tun da draußen in der Gesellschaft – man kann nicht seine Klappe halten, sondern man muss etwas sagen.